Shortbus: Sexo é política

Sexta-feira, 27 - SHORTBUS

Sexta-feira, meia-noite, sessão lotada para o filme que prometeu e cumpriu ser um dos poucos títulos polêmicos dessa Mostra, Shortbus, o novo filme de John Cameron Mitchell, diretor, roteirista e ator do excelente Hedwig - Rock, Amor e Traição (2000). Shortbus é mais um projeto do que um filme acabado. Depois de Hedwig, Mitchell começou a desenvolver um projeto de um leve e bem humorado filme sobre a sexualidade contemporânea. A idéia era juntar novos e corajosos atores que, princípio básico do filme, não tivessem problemas em fazer sexo real diante das câmeras. De várias experiências recentes, como Romance, The Brown Bunny e Nove Canções, Shortbus é não só o que funciona melhor como também o mais escancaradamente explícito. Os minutos iniciais, que apresentam alguns dos personagens, é uma espécie de teste com a platéia: ereções, penetração, ejaculações e auto-felação explícitos são exibidos sem rodeios e, principalmente, com um humor quase infantil, deixando claro que, mesmo nas cenas de orgias caligulescas, a proposta não é chocar, mas devolver ao sexo pós-AIDS, pós-11 de Setembro e pós-Bush a alegria, o prazer, a isenção de culpa cristã. Não é pouco. E o filme dá o seu recado com graça e honestidade, a partir de seus personagens centrais: um casal hetero em que a mulher não alcança o orgasmo, um casal gay em crise que quer abrir a relação para mais um parceiro, um voyer tímido que brecha pessoas transando com uma luneta e uma solitária garota que faz programas sadomasoquistas.

A proposta leve e lúdica de olhar relacionamentos sexuais variados (mas predominantemente homossexuais) é evidente nos belos planos com uma Estátua da Liberdade e uma maquete de Nova York em papel-machê colorido, que pontuam a trama, conduzindo o espectador para os vários apartamentos onde moram os personagens e para o Shortbus, espécie de bar artístico sexual, onde as pessoas podem apresentar suas músicas, poesias, procurar parceiros sexuais e, se quiser, transar ali mesmo, na frente de todos, num ideal neo-hippie de realizar prazeres sexuais sem barreiras. Bem conduzido no início, o desenvolvimento emocional dos personagens não foge muito dos clichês das comédias românticas tradicionais e o desfecho (uma celebração coletiva, com música e todos os personagens com seus probleminhas sexuais parcialmente desencanados) me pareceu frágil diante da proposta inicial razoavelmente ambiciosa. Se como filme Shortbus está longe da perfeição, como projeto é válido, politicamente necessário, subversivo e vital no cinema moderno. Não há como negar que o momento mais político dessa Mostra provavelmente será a cena de Shortbus em que três rapazes gays (protagonistas principais) transam juntos explicitamente cantando o Hino Nacional dos EUA usando você-imagine-o-que como microfones... Essa forma de patriotismo George W. Bush e a América carola não aprovariam. Amém. Infelizmente, Shortbus ficará limitado ao circuito 'cabeça', GLS, moderninho e será ignorado pelo grande público. Ao menos, foi eleito oficialmente pelo público da Mostra SP como um dos 14 melhores filmes, leia abaixo.

14 filmes concorrem ao prêmio oficial da Mostra SP

A coordenação da 30ª Mostra SP divulgou a lista dos filmes em competição mais bem votados pelo público. Realmente, é filme demais pra ver. Desses 14 escolhidos pela votação do público (não é exatamente o melhor parâmetro de qualidade dos filmes...), eu só vi dois. Ainda verei mais um, com ingresso já agendado. A impressão geral dos jornalistas foi de que os títulos foram muito conservadores, com exceção do ousado Shortbus (que comento a seguir). Particularmente, não entendo como um filme apenas correto como O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias está na lista e O Céu de Suely não. Apesar de serem filmes um tanto 'difíceis' para o grande público, os meus preferidos até agora estão todos fora dessa lista: A Última Noite, Flandres, Eu Não Quero Dormir Sozinho, Fora do Jogo, O Labirinto do Fauno, Síndromes e um Século, Honor de Cavalleria, A Scanner Darkly e O Céu de Suely.

O vencedor será conhecido na cerimônia de encerramento da Mostra, nessa quinta 02 de novembro. Segue a lista oficial:

A Batalha de Paris, França, de Alain Tasma
Amu, EUA/Índia, de Shonali Bose
Anche Libero Va Bene, Itália, de Kim Rossi Stuart
Coisas que o Sol Esconde, Israel, de Yuval Shafferman
Go Etxebeste!, Espanha, de Asier Altuna e Telmo Esnal
Minha Vida sem Minhas Mães, Finlândia, de Klaus Härö
Noel–Poeta da Vila, Brasil, de Ricardo van Steen
O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias, Brasil, de Cao Hamburger
O Cheiro do Ralo, Brasil, de Heitor Dhalia
O Edifício Yacoubian, Egito, de Marwan Hamed
O Violino, México, de Francisco Vargas
Os 12 Trabalhos, Brasil, de Ricardo Elias
Qué Tan Lejos, Equador, de Tania Hermida
Shortbus, EUA, de John Cameron Mitchell

Philip K. Dick por Richard Linklater

Sexta-feira, 27 - A SCANNER DARKLY

Depois de realizar o experimento de animação digital sobre filme real em Waking Life (2001), Richard Linklater repete a técnica e vai além com o novo A Scanner Darkly. Depois de ser popularizado em filmes como Blade Runner, Total Recall e Minority Report, o escritor e visionário Philip K. Dick (1928-1982) encontrou em Linklater a sua mais perfeita tradução para as telas de cinema com a adaptação de seu conto de 1973, incrivelmente sintonizado com o mundo estranho em que vivemos atualmente. A Scanner Darkly é ambientado num futuro próximo, em Los Angeles, quando os EUA perderam a guerra contra as drogas. Neste cenário, um policial (Keanu Reeves) é um dos muitos agentes que cederam ao vício de uma popular substância química, que divide a personalidade dos usuários em duas. Não há exatamente uma história para acompanhar. A base da narrativa do filme, o traço mais forte da literatura de Philip K. Dick, são os estados alterados da mente, a linha tênue que separa a realidade das suas distorções, sejam por meio de drogas ou paranóia, esquizofrenia, psicose e outras patologias.

Além do desenho lindo de se ver, a técnica utilizada aqui é design e também conteúdo: com A Scanner Darkly, Linklater deixa bem claro porque escolheu essa técnica. Senti uma certa decepção da platéia jovem, antenada com o mundo virtual, que esperava algo mais 'viajado' na tela. Muito pelo contrário, Linklater tira partido da 'irrealidade' do desenho animado para causar estranhamento com uma narrativa com os dois pés fincados no cotidiano banal. Os personagens são pessoas normais, os objetos dos cenários são perfeitamente familiares com o mundo de hoje e as cenas acontecem de forma natural (já que são filmadas inicialmente com os atores reais). Cenas de sexo, caminhadas na rua, encontros de turmas em apartamentos mundanos regados a cerveja, cigarro e conversa fiada, tudo acontece sem nenhum delírio visual. O efeito é muuuito estranho, ainda por cima com a excelente trilha sonora do Radiohead e Thom Yorke dando o clima. O elenco, com freaks de Hollywood como Woody Harrelson, Winona Ryder e Robert Downey Jr., também não está em A Scanner Darkly por acaso. Como visual explicitamente futurista, temos apenas o disfarce dos policiais informantes, uma esquisita roupa mutante que altera continuamente o visual do sujeito, parecendo uma materialização literal de esquizofrenia, com rostos e roupas em constante mutação, e alguns gadgets já banalizados no mundo atual.

Depois de Dazed and Confused (lançado enfim em DVD no Brasil como Jovens, Loucos e Rebeldes), Antes do Amanhecer, Waking Life, Escola de Rock e Antes do Pôr-do-Sol, Richard Linklater firma-se como o nome mais coerente e inteligente do cinema pop americano. Junto com A Scanner Darkly, ele realizou ainda em 2006 Fast Food Nation (que também deveria estar nessa Mostra, mas ficou de fora de última hora). Ambos já estão comprados para o Brasil, mas parece que A Scanner Darkly sairá direto em DVD. Sorte tive eu de assistí-lo na tela de cinema nessa Mostra SP.

Ben Affleck, melhor ator em Hollywoodland

Sexta-feira, 27 - HOLLYWOODLAND - BASTIDORES DA FAMA

Apesar de entrar em breve no circuito comercial, não pude deixar de conferir Hollywoodland - Bastidores da Fama numa sessão matinal de cabine para imprensa. O filme é um bom drama noir sobre o pouco esclarecido suicídio do ator George Reeves, o primeiro Superman do seriado de TV, em 1959. O filme parte da investigação por conta própria do detetive Louis Simo (Adrien Brody) sobre o caso. Louis descobre que Reeves mantinha um caso com a esposa (Diane Lane) de um produtor de Hollywood que lhe abriu as portas para a fama e começa a imaginar uma trama de assassinato passional do ator. Nem precisa dizer que, recentemente, lembramos logo de Dália Negra, de Brian De Palma. O formato de Hollywoodland é mais convencional e, dentro de suas pretensões, é um filme melhor. Vindo da TV, o diretor Allen Coulter dirigiu episódios de Arquivo X e Os Sopranos e estréia bem no cinema. Deve render indicações ao Oscar.

Hollywoodland deveria chamar-se Truth, Justice and The American Way, o lema do Homem de Aço. Mas, no mesmo ano de Superman Returns, a Warner vetou o título, que foi trocado para remeter mais a Hollywood do que ao Superman. O filme chamou atenção por ter vencido o prêmio de melhor ator para Ben Affleck no prestigiado Festival de Veneza desse ano. Com uma carreira praticamente enterrada em Hollywood, vindo de um filme ruim atrás do outro e péssimas atuações, Ben Affleck tem aqui uma oportunidade de renascer em Hollywood. O prêmio é, ao certo, um exagero, pois sua participação é coadjuvante. E sua atuação não chega a impressionar. Ironicamente, ele está muito bem no papel por George Reeves ter sido um ator medíocre que sonhou alto demais em Hollywood. Antes de suicidar-se (o filme não levanta nenhuma prova de possibilidade de assassinato), Reeves estava deprimido e queria tornar-se diretor, visto que sua carreira como ator ficou amaldiçoada pela estampa do Superman, adorado pelas crianças americanas noa anos 50, incluindo o filho do detetive Louis Simo, separado da mulher (Molly Parker), num típico papel de detetive noir decaído.

Hollywoodland - Bastidores da Fama (que subtítulo horrível!) garante uma boa sessão de cinema e, para cinéfilos, oferece um painel muito interessante da Los Angeles dos anos dourados e entrelinhas sombrias, com curiosidades como saber que George Reeves foi rejeitado do cast de A um Passo da Eternidade por ter provocado risos da platéia-teste, que não conseguia ver o Superman em qualquer outro personagem.

Filme argentino televisivo

Quinta-feira, 26 - SOLOS

Dia de chegada de amigos de Recife atrapalha minha programação. Só deu pra ver um filme, numa última sessão do CineSesc. Filme argentino Solos, achei que não tinha como errar, devido à qualidade média altíssima do novo cinema argentino. Errei feio. Solos já é um dos piores filmes que vi nessa Mostra. Uma pena, porque o argumento é até legal. Como uma espécie de Brokeback Mountain ao contrário, o filme é sobre dois homens na faixa de 40 anos. Um deles é publicitário e mulherengo, eternamente solteiro. O outro, casado e pai de dois filhos, está se separando e passa por dificuldades financeiras. Resolvem morar juntos e, depois de tomarem uma cerveja num bar gay por engano, começam a perceber a possibilidade de viverem, de fato, juntos. Lembra bastante Beijando Jessica Stein, onde duas garotas forçavam a barra para tentar um relacionamento lésbico. Em Solos, os dois homens dividem o lar, as visitas de prostitutas, o domingão com os filhos e descobrem que, da teoria à prática, ser gay não é só questão de opção. Por carência afetiva, talvez eles estejam apenas confundindo uma verdadeira amizade por viadagem.

Poderia ser um filme simpático, mas Solos afunda na linguagem televisiva, roteiro esquemático, excesso de diálogos explicativos forçados, pobreza visual (o apartamento transado do publicitário parece cenário de novela da Globo). A linguagem é tosca, com montagem óbvia, desleixada e, pior, o filme nunca decide se quer ser um melodrama, uma comédia grosseira ou uma crônica de uma bela amizade. A direção é de José Glusman, que parece ter tomado aulas de cinema com Daniel Filho... A biografia de Glusman explica: é diretor de teatro, programas de TV e campanhas publicitárias. O que quase salva o filme é o ator Sergio Boris (de O Abraço Partido), um tipo boêmio à Otávio Augusto, responsável pelos poucos momentos realmente divertidos da fita. De forte apelo comercial, Solos deverá ser comprado para o Brasil.

Electroma retrô do Daft Punk

Quarta-feira, 25 - ELECTROMA

Dei uma pausa na Mostra nessa quarta para conferir uma estréia nos multiplexes locais. Pequena Miss Sunshine entra em breve no circuito em Recife e já está em cartaz aqui, quando as distribuidoras aproveitam o hype da Mostra para exibir filmes comerciais com um certo charme 'cabeça'. O filme é uma boa comédia, com um elenco impagável (Toni Collette, Steve Carell, Alan Arkin), cotada para o Oscar. Leia mais em breve no Kinemail. Voltemos à Mostra SP:

Falando em hype, a sessão concorrida dessa quarta é a estréia de Electroma, o primeiro longa da dupla de músicos franceses Daft Punk, ou Guy Manuel de Homem-Christo e Thomas Bangalter. Sessão lotada de 'muderninhos', digna de tirinha de Angeli, alguns espectadores sequer sabiam que o filme não tinha trilha sonora da dupla, informação bem divulgada nos programas e jornais. O filme é um projeto conceitual bastante coerente com o trabalho musical e de videoclipes da dupla (que está atualmente aqui para shows no TIM Festival), mas me pareceu insuportavelmente longo, com 74 minutos de duração, para contar a odisséia de dois robôs (os próprios diretores-atores) tentando tornarem-se humanos. Road movie futurista, sem diálogos, o filme pode ser resumido em dez ou doze cenas básicas, conduzidas com excelente intervenções de música pop de Brian Eno, Curtis Mayfield e Todd Rundgren, e eruditas de Franz Joseph Haydn e Chopin.

A influência mais óbvia vem do clássico THX-1138, estréia de George Star Wars Lucas (1971), que define o tom setentão do design de Electroma. Percebi ainda umas sacadas chupadas de Zabriskie Point (1970), de Michelangelo Antonioni, clara influência também na narrativa pontuada pela incomunicabilidade e melancolia. A imprensa também comenta a influência de Gerry (que eu não vi), de Gus Van Sant, o filme-irmão de Elefante. Ao final da sessão, fica a impressão de uma curiosa e válida experiência cinematográfica mas também a decepção por ser apenas uma diluição, um filme-homenagem, que não tem muito a acrescentar e, embora seja graficamente fascinante, esvai-se rápido da mente. Melhor rever o emblemático THX-1138, especialmente na luxuosa edição em DVD duplo lançada no Brasil.

Quinceañera em Echo Park, Los Angeles

Quarta-feira, 25 - MEUS 15 ANOS

Alguns filmes precisam seu apresentados dentro de um contexto para entender a sua boa repercussão em festivais de cinema. Meus 15 Anos (Quinceañera, 2006) é um deles. O filme, aclamado no último festival de Sundance, com prêmio especial do júri e prêmio do público, é dirigido pela dupla Richard Glatzer e Wash Westmoreland. Filmes dirigidos por duplas são raros. Por casais, mais ainda. Por um casal homossexual, então... raro mesmo. Considere ainda que um deles, o inglês Wash Westmoreland, veio da estigmatizada indústría pornô de Los Angeles. Considere mais ainda que Westmoreland dirigiu alguns filmes pornográficos gays (ramo mais marginal do gênero) e é algo notável que ele tenha conseguido migrar tão bem para o cinema convencional, sinal de que existe talento e competência trabalhando, por falta de melhores oportunidades, no lucrativo mercado pornô norte-americano. Bem, essa informação prévia é o que Meus 15 Anos tem de mais interessante.

O filme foi rodado em esquema cooperativo independente no bairro pobre e latino de Echo Park, nos arredores de Los Angeles, com amigos emprestando locações, usando figurino pessoal e atuando em pontas coadjuvantes, e conta a história da festa de 15 anos de Magdalena (Emily Rios), filha mais nova de uma família mexicana religiosa. Grávida do namorado, apesar de não terem consumado relação sexual completa, ela permanece tecnicamente virgem mas é expulsa de casa pelo pai, dias antes da festa de debutante, a Quinceañera do título original. Magdalena vai morar com o tio-avô Tomas (Chalo González, excelente) e o primo Carlos (Jesse Garcia), rejeitado pela família por ser gay, tabu ainda forte na tradicional família mexicana. Longe do estereótipo gay afetado, Carlos é um típico rapaz latino pobre, que sobrevive trabalhando como lavador de carros e comentendo pequenos roubos, e se envolverá com um casal de gays brancos, seus vizinhos, numa subtrama dispensável. Enquanto segue como crônica do cotidiano sofrido dessa família alternativa de perdedores do 'sonho americano', Meus 15 Anos é uma fita cativante, bonita de ver. Infelizmente, rumo ao final, o roteiro se perde nos chichês novelescos mais comuns do cinemão americano, que comprometem a honestidade e naturalidade do filme. Ainda assim, Meus 15 Anos merce atenção, pelo retrato fiel dessa 'outra vida americana'. O personagem Tomas é inspirado no avô do próprio co-diretor Westmoreland, ao qual o filme é dedicado.

A vida real e um golaço iraniano

terça-feira, 24 - A VIDA REAL ESTÁ EM OUTRO LUGAR

Mais um pequeno filme charmoso, desses que certamente só serão exibidos nessa Mostra e não serão lançados comercialmente no Brasil. A Vida Real Está em Outro Lugar é dirigido pelo jovem diretor franco-suiço Frédéric Choffat, já experiente em curtas e documentários. O filme inicia com um belo e fluido plano-sequência acompanhando três personagens de partida numa estação de trem em Genebra. Cada um seguirá destino distinto. Uma garota italiana está mudando-se de volta para Nápoles e fará amizada com um veterano funcionário da linha. Outra mulher, uma executiva, está a caminho da França, para uma conferência de trabalho e irá envolver-se com um estranho, sem dinheiro nem documentos, que terá sua viagem paga por ela. O terceiro personagem é um jovem que está a caminho da Alemanha, para ver seu filho recém-nascido. Ficará preso numa estação, onde conhecerá uma garota errante. Sem muitas novidades, o filme é bem dirigido, tem um bom cast de atores desconhecidos e desenvolve bem suas pequenas historinhas, que evitarão julgamentos e soluções óbvias de quem sejam essas pessoas. O jovem sem documentos nem dinheiro, por exemplo, entra e sai de cena sem muitas explicações. O filme não escapa de alguns clichês de roteiro sobre encontros casuais, mas é bonito, filmado com algum coração e honestidade, impossível falar mal de uma fita simpática como essa.

terça-feira, 24 - FORA DO JOGO

Pra última sessão dessa terça dei uma chance ao cinema iraniano, tão festejado nos anos 90 (com filmes realmente excelentes) mas fora do hype cinéfilo nos últimos anos. Escolhi Fora do Jogo (Offside, 2006), a mais recente fita de Jafar Panahi, autor de um dos primeiros sucessos do cinema iraniano no Brasil, O Balão Branco (1995), também seu primeiro filme. Dele também são O Espelho e O Círculo. O que me encanta mais no cinema feito no Irã é a capacidade espantosa que seus roteiristas e diretores têm de fazer um filme coeso, bem resolvido, a partir de pequenas histórias cotidianas que muitos acreditariam não ser suficiente nem pra um curta metragem. Fora do Jogo conta a história de seis garotas tentando entrar no estádio onde acontece o jogo que classificará o Irã para a recente Copa do Mundo 2006. No Irã, entre outras regras sociais, as mulheres são proibidas de assistir jogos de futebol nos estádios.

De forma absolutamente natural, sem forçar a barra da 'mensagem política', Panahi acompanha de forma ágil e documental (se não me engano, o filme foi rodado literalmente durante a tal partida de futebol, o que confere o seu incrível realismo) a trajétória dessas garotas que conseguem furar as catracas de entrada mas são barradas no caminho para as arquibancadas por um grupo de seguranças militares. Fora do Jogo é um exemplo de cinema instigante, inteligente, que nunca põe o discurso acima da ação, nunca segue o caminho mais esperado, que está sempre dois passos a frente do espectador e, por isso, torna-se empolgante.

Com humor nas discussões entre as garotas e os jovens seguranças, com inocência irmanada nas horas decisivas do jogo e momentos de surpreendente suspense quando um segurança procura nos banheiros do estádio uma garota fugitiva, Fora do Jogo é um filme completo, sem uma nota fora do lugar, que caminha para um final de grande beleza, quando as meninas são levadas pelos seguranças num furgão, junto com um garoto com fogos de artifício (também proibidos no estádio) e a cidade em festa pela classificação do Irã. São 90 minutos de puro cinema, o primeiro filme dessa Mostra em que eu acompanhei a salva de palmas ao final da sessão. Já comprado para o Brasil, não perca. Aliás, que vergonha que o cinema brasileiro nunca tenha feito nada em cinema sequer parecido com esse filme iraniano sobre essa nossa chamada ´paixão nacional'...

A arquitetura de Frank Gehry

Terça-feira, 24 - ESBOÇOS PARA FRANK GEHRY

Além de filmes de ficção, documentários sempre foram fortes na Mostra SP, numa variedade enorme de temas. Arquitetura está presente com um documentário sobre Oscar Niemeyer e esse sobre o americano Frank Gehry, um dos maiores nomes da arquitetura atual, autor do impressionante projeto do Museu Guggenheim, em Bilbao e tantas outras edificações emblemáticas da arquitetura moderna. Gehry escolheu o renomado diretor de Hollywood Sydney Pollack para dirigí-lo, por ser um outro artista criador e por ser leigo em arquitetura. Esboços para Frank Gehry foi filmado em digital e tem narrativa clássica no gênero. Apresenta as obras, uma breve biografia do entrevistado e um bate-papo reflexivo com o amigo Pollack, depoimentos de clientes e admiradores como Dennis Hopper e Julian Schnabel. Fascinante é a apresentação do seu método de trabalho, a partir de maquetes de papelão e de seu amplo escritório, onde um punhado de jovens artistas desenvolvem e tornam realidade os projetos mirabolantes desse senhor genial que admite ser ambicioso e ter um ego enorme mas comporta-se com humor, sabedoria e modéstia diante da importância de seu trabalho.

Nip Tuck do coreano Kim Ki-Duk

Terça-feira, 24 - TIME

Kim Ki-Duk virou um queridinho da crítica especializada e dos seletos consumidores de 'cinema de arte' aqui no Brasil, com o sucesso de Primavera, Verão, Outono, Inverno... e Primavera (2003) e A Casa Vazia (2004). Gosto do primeiro e acho o segundo um tanto afetado. Esse novo Time veio confirmar minha desconfiança do cinema 'moderno' desse diretor asiático. Curiosamente, o ponto de partida da trama me lembrou muito a série de TV Nip Tuck, que assisto fielmente. Time começa com um casal jovem e bonito em crise de namoro. Ela, ao passar na frente de uma clínica de cirurgia plástica, esbarra numa mulher que acaba de sair, com o rosto coberto por máscara e óculos escuros. Decide então mudar de rosto. Antes que o doutor pergunte (como o Dr. Troy de Nip Tuck, iniciando sempre os episódios da série com a pergunta What you don't like about yourself?), ela explica que não quer ficar mais bonita, quer sim um novo rosto. Time quer filosofar sobre a questão da relação do homem com a imagem, o vazio da sociedade capitalista, crise de indentidade etc, mas é muito superficial, esteticamente afetado e até ultrapassado na sua proposta 'artística'.

Dessa vez há bastante humor em cena e o filme torna-se divertido e agradável de ver até para o público médio. Infelizmente, o humor fica entre o engraçado e o ridículo, já que o filme dá voltas e revivoltas, sem saber direito onde quer chegar. Em resumo, um blefe de autor. É o tipo de filme onde os casais encontram-se 'poeticamente' num parque de esculturas eróticas, cheio de significados simbólicos, e a direção de fotografia é linda, com composição de cores e texturas para encantar os admiradores desse tal 'cinema de arte'... Promete novo sucesso de Kim Ki-Duk no circuito alternativo.

Indie legal com Ryan Gosling

Segunda-feira, 23 - HALF NELSON

Pra encerrar a segunda-feira, escolhi Half Nelson, filme do estreante Ryan Fleck. Desde que ouvi falar dessa fita, nos festivais de cinema americano independente, fiquei a fim de ver pela presença do jovem e carismático ator canadense Ryan Gosling (Cálculo Mortal, Tolerância Zero, Diário de uma Paixão) como protagonista. E sua atuação é mesmo o melhor motivo pra ver o filme. Pra saber o que significa o título, tive que dar uma busca no Google... Half Nelson é um golpe de luta livre em que o sujeito fica paralisado por uma chave de braço do adversário.

O filme é sobre Dan, um professor de História numa escola secundária para alunos pobres (maioria negros e latinos) do Brooklin. Ele estimula o ensino fora dos padrões convencionais, provocando o raciocínio dos jovens para interessarem-se politicamente na questão do racismo nos EUA. Dan é também um idealista fracassado, que mora só e se afunda em bebida e drogas pesadas. Um dia uma de suas alunas, a negra adolescente Drey (Shareeka Epps), o flagra drogando-se no banheiro da escola. Drey também está inevitavelmente ligada ao tráfico de drogas, na área pobre em que vive.

A cumplicidade entre esses dois losers da América será o eixo da narrativa, que fica no meio do caminho entre o discurso politicamente correto (há ótimas inserções de famosos casos de preconceito racial e sexual da História americana, em trabalhos de sala de aula) e o desenvolvimento dessa delicada relação entre um professor branco e uma aluna negra, numa ambiente adverso em vários níveis. Os personagens são vividos com brilho tanto por Ryan Gosling quanto pela novata mirim. Half Nelson é uma boa estréia de Ryan Fleck, que evita julgamentos maniqueístas mas também não chega a tocar nas questões de forma mais profunda ou provocante. Mais um pequeno filme americano independente, correto e competente, onde as maiores qualidades estão no roteiro bem amarrado e na direção de atores. Tem cheiro de Oscar, deve ser lançado comercialmente em breve.

Guillermo del Toro fantástico

segunda-feira, 23 - O LABIRINTO DO FAUNO

Depois de aventurar-se nos blockbusters americanos (com os bons Blade 2 e Hellboy), o mexicano Guillermo Del Toro volta às origens e realiza na Espanha o excelente O Labirinto do Fauno (El Laberinto del Fauno), um brilhante exercício de cinema fantástico que faz uma inteligente fusão do universo infantil com o horror da realidade da ditadura militar na Espanha, em 1944. Durante a Guerra Civil espanhola, uma viúva grávida do segundo filho (Maribel Verdu, de E Sua Mãe Também) casa-se com um capitão do exército (o excelente Sergi López, de Uma Relação Pornográfica), por falta de condições financeiras de sustentar a filha (Ivana Baquero), que será a protagonista dessa viagem fantástica que leva a Fantasia para o lugar que ela merece no Cinema.

O paralelo entre o horror real da guerra e o mundo fantástico que a garotinha terá que enfrentar chega a ser didático de tão bem narrado. Muito violência explícita (da guerra) é alternada com momentos sombrios de conto de fadas, onde encantam os monstros, fadas e especialmente o Fauno, com tecnologia digital e efeitos artesanais de maquiagem. Fiquei absolutamente fascinado do início ao fim do filme, um exemplo de que o cinema comercial pode gerar produtos inteligentes e, sim, de qualidade autoral. Roteiro, direção de arte, montagem, beiram a perfeição formal nesse filme de Guillermo del Toro que, como diz a própria frase publicitária do cartaz, mostra que 'A inocência de uma criança é mais poderosa do que o Mal pode imaginar'. Fãs do cinema fantástico, não percam O Labirinto do Fauno, grande filme, breve num multiplex perto de você.

Dama na água alemã e doce filme chinês

Segunda-feira, 23 - AQUANITIS

Começando a segunda-feira cedo, consegui ver 4 filmes num dia só. Essa é a meta, mas é difícil. Tem que arrumar tempo pra comer, ir ao banheiro e escrever no blog, ao menos eh eh Pelo simples fato de ser um filme curto, com 78 minutos, optei por abrir a semana com um obscuro filme alemão, Aquanitis, realizado em digital, que concorre oficialmente na Mostra na seleção novos diretores, no caso o alemão Peter Mahlknecht, também ator e documentarista, aqui em seu primeiro trabalho como diretor em ficção. O filme conta a história de Vinzenz, um empresário alemão que tem um irmão artista, escultor. Vinzenz vive estressado e sofre um derrame. Após recuperar-se, ele passa a ter uma estranha obsessão por água e acredita ter encontrado uma ninfa mítica e nua, Aquana, que persegue em lagos e represas.
O que o filme tem de curioso é uma semelhança com A Dama na Água de Shyamalan. Mas em Aquanitis a relação do protagonista com a ninfa é mais direto, focado no desejo sexual, na busca da felicidade, do amor perfeito. Bem realizado, Aquanitis daria um interessante curta metragem. Tanto que, com apenas 78 minutos, revela-se vazio e tolo. Curiosidade de Mostra, não deverá ser lançado comercialmente no Brasil.

Segunda-feira, 23 - FICA COMIGO

Um dos filmes mais festejados pela crítica local é o bonito Fica Comigo (Be With Me), de Eric Khoo. Seria o indicado de Cingapura para concorrer ao Oscar de filme estrangeiro, mas foi desclassificado por ser falado em inglês. O filme adota o já repetitivo formato de roteiro em que várias pequenas historinhas tocam-se em algum ponto da narrativa. Temos um senhor desencantado após a morte da esposa, duas garotas que conhecem-se pela internet e vivem um inocente paixão lésbica, e um segurança gordo que segue obsessivamente uma bela executiva da empresa onde trabalham. No atual panorama de incomunicabilidade das pessoas num mundo com excesso de informação e contato virtual, Fica Comigo não promoverá a união entre os pares. Muito pelo contrário, fatos inusitados concluirão as histórias de forma um tanto triste e melancólica. O diferencial do roteiro é incluir uma quarta história, esta baseada na vida real de Theresa Chan, uma cativante velhinha surda e cega desde os 14 anos, que interpreta a si mesmo no filme e intercala as outras histórias com seu relato de coragem, vontade de viver e superação de árduas adversidades. É bonito e honesto, mas fica a um passo da pieguice edificante, podendo ser visto equivocadamente como um 'filme de auto-ajuda'. Não é, mas chega perto.

50 fãs filmam os Beastie Boys

Domingo, 22 - NOSSA, EU FILMEI ISSO!

Com apresentação marcada no Rio e em Curitiba, no TIM Festival, aqui em São Paulo os Beastie Boys não irão fazer show. Ótima oportunidade para os fãs do trio novaiorquino é assistir Nossa, Eu Filmei Isso! (Awesome, I Fuckin' Shot That!), registro de 90 minutos de um show no Madison Square Garden, Nova Iorque, dirigido pelo beastie boy Adam Yauch, ou MCA, aqui sob o pseudônimo de Nathanael Hornblower. A idéia da equipe para filmar o show de modo não muito tradicional foi distribuir 50 câmeras de vídeo com fãs na platéia. A lei era de que cada fã deveria filmar o show inteiro, sem desligar a câmera, com total liberdade. O show foi gravado também num formato mais, digamos, profissional e o desafio dos editores foi montar o material na sala de edição alternando as duas linguagens. O resultado prometia caos visual. E é o que está na tela, só que da maneira mais feliz possível. O segredo é que a proposta do filme é a cara do estilo da sonoridade urbana e do espírito da banda. Para fãs (como eu), o deleite é total. Funciona ao mesmo tempo como estar num show ao vivo e brincar na frente do computador editando o show de forma amadora mas totalmente entrosada com o feeling da banda.

Algumas curiosidades: durante uma música, um dos câmeras deu uma chegada no banheiro. A edição resolveu aproveitar o material, até os detalhes da descarga na bacia sanitária. Hilário. Na platéia absurdamente variada (brancos, negros, crianças, hipongas, metaleiros etc etc), a presença do ator Ben Stiller. Na parte mais calma do show, um chill out instrumental, a banda armou um cenário que parecia um desses palcos cafonas de show em cruzeiro marítimo e tocaram vestidos com estilosos paletós azuis. Por fim, encerraram o show com a envenenada Sabotage, dedicada ao senhor George W. Bush. A platéia delirava. Nova Iorque não é os Estados Unidos da América, definitivamente. E Nossa, Eu Filmei Isso! não é só um documentário sobre um show dos Beastie Boys. É um manifesto visual e sonoro totalmente do bem. Nossa, eu assisti isso!

Viva o amor e o cinema

Domingo, 22 - EU NÃO QUERO DORMIR SOZINHO

Que beleza ver um filme tão alto-astral numa manhã de domingo! Eu Não Quero Dormir Sozinho (Hei Yan Quan/I Don't Want to Sleep Alone) pode ser resumido com precisão no seu título. É o nono filme do chinês Tsai Ming-Liang e uma sinfonia de imagens e sons para celebrar a beleza do amor, em todas as suas variáveis. Depois de O Gosto de Melancia, era de se esperar uma nova excentricidade do diretor, mas seu novo filme retoma o minimalismo e objetividade narrativa de suas primeiras obras, como O Rio (1997) e, principalmente, Vive L'Amour (1994), com o qual tem em comum um triângulo de personagens, espaços arquitetônicos abandonados e uma sensualidade física incomum. Aqui, um sem-teto, depois de levar uma surra de marginais, é resgatado das ruas por um grupo de trabalhadores. Um deles, o solitário Rawang (Norman Bin Atun) irá cuidar do sem-teto (Lee Kang-Sheng, ator de vários filmes de Ming-Liang), oferecendo casa, remédios e dividindo a cama para dormir. Embora nada de sexual aconteça, estabelece-se um forte clima de desejo homossexual da parte do enigmático Rawang pelo desconhecido sem-teto.

Recuperado, o sem-teto volta a perambular pelas ruas e conhece uma garçonete (Chen Siang-Chyi), que ele começa a paquerar com insistência. A patroa da garçonete também se interessará pelo rapaz. Essa tragicômica ciranda de desejos acontece num ambiente físico miserável, que remete em vários momentos às nossas conhecidas periferias urbanas, com constante presença da água, elemento recorrente na obra de Ming-Liang e, nesse filme, de um nevoeiro que fará os personagens se desencontrarem em momentos de delicado efeito visual. De ritmo absurdamente lento, praticamente sem diálogos, filmado só com planos estáticos, as cenas exploram detalhes e requerem atenção do espectador em cada canto da tela, uma verdadeira reeducação do olhar. O cinema de Tsai Ming-Liang não é para qualquer público. Assistir a um filme dele equivale mais a ir à uma exposição de arte do que a uma sessão de cinema tradicional. É 'cinema de arte' sim, mas no bom sentido. Para quem já conhece o cinema desse chinês, Eu Não Quero Dormir Sozinho é mais um trabalho corente de um cineasta contemporâneo com um olhar muito especial sobre a solidão do ser humano urbano, difícil de ser analisado em palavras. Não perca.

Mais um filminho ianque independente...

Sábado, 21 - A SENSAÇÃO DE VER

Na noite de sexta, após a exibição de O Céu de Suely, não deu pra escapar da farra. Hermila Guedes, a estrela do filme, e muitos amigos pernambucanos encontraram-se no bar/boate Gloria. Resultado: 5 da manhã em casa... O sábado, assim, foi o tradicional 'ressaca e coca-cola'. Quando me animei pra ir ao cinema, já era noitinha. Só dava pra ver um filme e eu resolvi arriscar A Sensação de Ver (The Sensation of Sight), um entre vários dos filmes de diretores estreantes nessa Mostra. O filme é sobre um professor de literatura (David Strathairn, indicado ao Oscar por Boa Noite, e Boa Sorte) procurando entender o porquê do suícidio de seu filho caçula, que matou-se na sua frente. No formato de vários personagens interligados ao protagonista de forma 'inteligente', o roteiro acompanha a busca do professor pelo 'sentido da vida', com vinhetas literárias dividindo o filme em capítulos e um monte de personagens solitários, tristinhos, buscando conexão humana. O pai fica traumatizado 'fora do ar', perambulando pelas ruas vendendo volumes de velhas enciclopédias de porta em porta, o que o ligará aos vários personagens.

Diretor e roteirista estreante, Aaron J. Wiederspahn conseguiu um elenco de peso. Além de David Strathairn, temos Jane Adams (Felicidade, Garotos Incríveis) e os jovens Ian Somerhalder (LOST) e Daniel Gillies (Spider Man 2 e 3). A fita tem aquele tom 'mágico' e 'sábio' de algo que fala sobre coisas muito importantes na vida. Logo nos créditos iniciais, um longo plano estático, a autoria da trilha sonora é anunciada como 'música composta e executada por Fulano de Tal'. E essa trilha sonora será algo de muita relevância no filme inteiro... Haja paciência. É o tipo de filme oco, que confunde lentidão com profundidade, onde todo mundo fala baixinho e com o olhar perdido no horizonte. E os flashbacks serão em... oh, my god! preto&branco estiloso.

O garoto suicida aparece sempre em cena, ao lado do irmão mais velho (Ian Somerhalder), que não consegue superar o trauma. Num episódio do seriado A Sete Palmos, esse recurso visual 'poético' seria divertido, mas num filme tão 'sério' soa apenas como pretensão indie. O que impressiona mais é a falta de intimidade com cinema do diretor estreante. A Sensação de Ver (que ironia, com um título desses!) não sabe 'olhar' seus personagens. A direção de atores é teatral, tudo precisa ser falado ou descrito em narração em off, não há um momento que capte as emoções apenas no rosto ou expressão dos atores. É literatura, é teatro, e é muito pouco cinema. Há ainda citações ao A Felicidade Não Se Compra de Frank Capra (meu filme predileto?), exibido na TV e numa sequência final de epifania redundante. A Sensação de Ver foi o primeiro filme da Mostra que me deu a sensação de estar perdendo tempo quando poderia estar vendo outra fita mais interessante. Quis vaiar no final. O público aplaudiu, claro. A Mostra SP não é muito diferente do Cine PE...

O Céu de Hermila Guedes

Sexta-feira, 20 - O CÉU DE SUELY

O novo filme de Karim Aïnouz (de Madame Satã) saiu premiado do Festival do Rio e já foi comentado aqui no blog com elogios superlativos, por Carol Ferreira. Depois de dois filmes como A Última Noite e Flandres e muito expectativa (e vista cansada), assisti O Céu de Suely em sessão com presença da equipe do filme e alguns 'famosos' locais na platéia. Tudo isso poderia contribuir para eu 'torcer o nariz' para a aclamação geral do filme. Felizmente, isso não aconteceu. O Céu de Suely faz uma boa parelha com Cinema, Aspirinas e Urubus, como cinema de temática regional mas de alcance universal, centrado em personagens fortes e com roteiro simples, enxuto, mas nunca simplista. Tranquilamente, será um dos melhores filmes brasileiros da safra 2007, quando entrará comercialmente em cartaz.

O filme conta a história de Hermila (a pernambucana Hermila Guedes, excelente), garota do interior do Ceará, Iguatu, que fugiu apaixonada com o namorado para São Paulo. No início do filme, ela está voltando pra Iguatu com o filho bebê. Seu namorado, agora marido, chegará logo depois. Dias passam e Hermila compreende que seu marido não voltará. E o filme será sobre essa mulher, dolorosamente sozinha, sem conseguir se encaixar de volta naquele fim-de-mundo sem perspectivas, onde um antigo namorado João (João Miguel, de Cinema, Aspirinas... ) parece ser o ideal para um recomeço de vida. Mas Hermila não tem escolha. Sofrendo de amor na mais clássica tradução dessa expressão, só resta a Hermila partir. Sem dinheiro, ela tem a idéia de rifar o próprio corpo para apenas um felizardo, que receberá como prêmio uma noite no paraíso com Suely, nome que ela inventa para a rifa. Hermila não quer prostituir-se, mas apenas viabilizar sua saída de Iguatu, com uma passagem de ônibus só de ida para Porto Alegre, o mais distante destino da rodoviária local.

O Céu de Suely poderia contar essa história como uma novela, um melodrama, mas Karim escolhe o caminho mais rico dos silêncios, do não-dito, dos cortes precisos nos poucos diálogos e nos planos fechados no rosto de Hermila Guedes, de uma presença cênica espetacular. Não só Hermila, mas um conjunto de ótimas atrizes menos conhecidas dão a força do universo feminino desse conto da 'filha pródiga' que não se encaixa no pobre cinema que a Rede Globo está formando para o público atual. A cena final do filme, muito bonita, contradiz o clássico final feliz hollywoodiano mas, de certa forma, deixa o espectador feliz por Hermila ter, à sua maneira, conquistado a liberdade que escolheu. O Céu de Suely tem temática popular, fala de gente real, que reconhecemos na realidade brasileira das pequenas cidades e periferias urbanas, mas pode esbarrar num rótulo de 'cinema de arte' nacional que dificulte seu alcance com o grande público.

Bruno Dumont, o homem e a guerra

Sexta-feira, 20 - FLANDRES

Bruno Dumont chamou atenção na virada do milênio com o impressionante e inclassificável A Humanidade (L'Humanité, 1999), filme que só vi em DVD mas depois tive oportunidade de conferir no cinema Apolo. O filme só cresceu, confirmando ser uma obra que precisa ser vista no cinema. O ritmo, o uso do som, as largas imagens em CinemaScope não cabem numa TV. Duas cenas cruciais de A Humanidade (quando o protagonista 'flutua' sem tocar o chão e o longo plano da cena final) eu simplesmente não consegui ver/entender na TV. O filme seguinte de Dumont, o polêmico 29 Palms, não possou no Brasil. Consegui ver em DVD e achei decepcionante, fiquei pensando 'o cara é diretor de um filme só'. Engano meu.

Com Flandres (2006), Bruno Dumont volta à boa forma, embora parte da crítica tenha considerado o filme um tanto convencional, sem novidades. Aqui na Mostra, a oportunidade de ver o filme na tela grande foi atrapalhada por problema de desfoque nos vinte minutos finais, lamentável. Ao final da sessão, a certeza que Bruno Dumont é um dos nomes mais interessantes do cinema atual. O filme, muito simples, conta a história de um grupo de jovens moradores da cidade rural francesa Flandres (onde o diretor nasceu). Barbe (Adelaide Leroux) divide noites de cerveja, tédio e sexo com alguns rapazes da região. Três deles são convocados para a guerra. O filme acompanhará os rapazes na guerra (filmada na Tunisia) e, no estilo de Dumont, os momentos mais violentos não são caretas. Balaços secos na cabeça, crianças assassinadas e mulheres estupradas estão lá, mas sem concessões ao melodrama ou 'espetáculo' da violência. O tom é duro, a violência é real, feia.

O filme faz paralelo do horror da guerra com a vida de Barbe, que ficou grávida de um dos rapazes (com quem tinha uma relação mais carinhosa), o 'bonito' da turma. O protagonista Demester (Samuel Boidin), é o 'feio', considerado por Barbe apenas como um amigo. O filme não facilita qualquer empatia fácil pelos personagens. O cinema bem francês de Dumont não faz julgamentos, não delimita os bons e os maus. Apenas registra os fatos e seus personagens. Flandres ganhou o Grande Prêmio do Jurí em Cannes esse ano, não só pelo nobre humanismo de seu roteiro mas, acima de tudo, porque é cinema maior, aquele que fala poderosamente só com as suas imagens.

Mais um Robert Altman essencial

Sexta-feira, 20 - A ÚLTIMA NOITE

Havia prometido a mim mesmo evitar assistir aos 'medalhões' nessa Mostra e dar preferência aos filmes que provavelmente nunca entrarão em cartaz comercialmente no Brasil. Mas... como resistir a inaugurar a maratona com o novo filme do mestre Robert Altman? Não tem como. A Última Noite (A Praire Home Companion) é mais uma jóia de filme desse monstro sagrado do cinema americano. Sempre independente e autoral, o cinema de Robert Altman nunca foi pra todos os gostos e só consegue entrar no circuito devido aos maravihosos elencos que ele consegue reunir para seus filmes. A Última Noite narra, quase em tempo real, os acontecimentos de uma última noite de apresentação ao vivo de um tradicional programa de rádio, que dá o título original do filme. Como é um tremendo equívoco dizer que seu filme anterior De Corpo e Alma (The Company, 2003) era um filme sobre dança, também o será dizer que A Última Noite é sobre um programa de rádio. Um olhar menos bitolado logo verá que trata-se de um filme sobre a Vida, sobre o Tempo, como somente Robert Altman sabe filmar.

Passeando pelo auditório onde acontece o evento, a câmera de Altman desliza graciosa como que suspensa por um balão, capturando os diálogos entre inúmeros personagens nos bastidores e levando o espectador para assistir os números musicais country tão cafonas quanto honestos de duplas de cantores locais. O programa de rádio é real e, embora antiquado e ingênuo para os dias de hoje, permanece no ar numa rádio pública do estado de Minnesota. O apresentador verdadeiro, o estranho e impagável Garrison Keillor, interpreta a si mesmo no filme, brilhando num roteiro que alinhava e abraça vários personagens, interpretados belamente por atores como Meryl Streep, Kevin Kline, Woody Harrelson, John C. Reilly, Tommy Lee Jones, Lily Tomlin e até a musa teen Lindsay Lohan, como a filha de Meryl Streep, uma garota contemporânea que fica deslocada em meio a tantos personagens que parecem viver numa 'dobra temporal'.

Em tom de comédia esperta, Altman coloca em cena um anjo na pele de Virginia Madsen (pouco à vontade no papel) e brinca com o atual conservadorismo religioso ianque da era Bush. Embora seja uma trama paralela fantasiosa e simbólica que não funciona lá muito bem, não chega a comprometer o todo, que é de uma leveza encantadora, incluindo vários números que tornam o filme quase um musical, com o toque de maestria inigualável desse senhor de 81 anos que entende como poucos hoje em dia o que é essencial para se fazer bom cinema. Um dos melhores Altmans desde Short Cuts - Cenas da Vida, de 1993, remete também a uma de suas grandes obras-primas, Nashville, de 1975. Para quem gosta do cinema de Robert Altman, A Última Noite é mais um filme prazeroso e imperdível, de uma generosidade humana imensa para com os seus personagens. Acho que rende mais uma indicação nesse Oscar 2007 de melhor diretor para Altman, mesmo que ele já tenha recebido no ano passado um Oscar 'consolação' pelo conjunto de sua obra. What a shame, Hollywood...

Amantes constantes e sonhadores

Quinta-feira, 19 - OS AMANTES CONSTANTES

Abertura oficial da Mostra tem o documentário Os Estados Unidos Contra John Lennon e festa oficial na casa noturna The Week. Tô fora... Preferi assistir um filme fora da Mostra, ainda em cartaz aqui em SP, aliás último dia em cartaz. Não dava pra perder. O filme é Os Amantes Constantes (Les Amants Réguliers, 2005), curiosamente com muitos pontos em comum com Os Sonhadores, de Bernardo Bertolucci. É sobre o maio de 68 em Paris, sobre os jovens estudantes burgueses que foram às ruas enfrentar a repressão ao histórico movimento estudantil. Até o ator é o mesmo de Os Sonhadores, o francês Louis Garrel. Mas as semelhanças param por aqui. Enquanto o filme de Bertolucci era quase apenas um exercício voyerista e estilizado sobre três belos jovens (uma garota francesa, seu irmão e um rapaz americano) , Os Amantes Constantes vai bem além, num filme desconfortável no melhor dos sentidos.

Dirigido pelo pai de Louis, Phillipe Garrel, em tom autobiográfico, o filme mimetiza a estética da nouvelle vague, com montagem livre, enquadramentos vanguardistas, para mergulhar o espectador no que teria sido viver aquele clima de um momento tão particular daquela juventude que queria mudar o mundo. O tom intimista, a fotografia em preto&branco, a economia narrativa e as três lentas horas de duração tornam o filme difícil até para públicos de 'cinema de arte', mas a viagem é recompensadora. Um filme duro, crítico e direto na maneira como aborda o envolvimento com drogas, o sexo livre, a alienação, mas também de uma beleza poética e melancólica sobre uma geração que acreditava num ideal de liberdade que não tem mais espaço no mundo atual. Louis Garrel está excelente aqui, dirigido pelo pai. Clotilde Hesme, a namorada dele, encarna uma garota daquela época com uma atuação encantadora, somente o seu rosto enquadrado em longos planos fechados torna difícil acreditar que aquelas imagens não sejam registros documentais de 1968. Belo filme.

Agora é preparar-se para começar a maratona oficial da Mostra, nessa sexta 20!

Começa a 30ª maratona cinéfila de SP

Os cinéfilos que estiverem em São Paulo nos próximos dias já estão preparados para enfrentar mais uma maratona anual de filmes, sempre começando no final de outubro, na 30ª Mostra Internacional de Cinema de SP. Eu, graças ao patrocínio cultural da Aurora DVD e da colaboração dos leitores do meu site, serei um deles. Credenciado oficialmente para cobrir a Mostra do início ao fim, tentarei postar diariamente minhas impressões sobre os filmes e os fatos e curiosidades dessa edição do evento. Não será fácil: a organização da Mostra anunciou a exibição de pelo menos 362 filmes, sendo 270 longas, 21 médias e 71 curtas!!!

Apesar de lançar medalhões em pré-estréias, como Volver (de Pedro Almodóvar), The Wind that Shakes the Barley (Palma de Ouro em Cannes esse ano), Babel (do mexicano Alejandro González Iñárritu, melhor diretor em Cannes e forte candidato ao oscar 2007), o forte da Mostra, em suas persistentes três décadas de existência, organizada por Leon Cakoff, é o prazer de assistir filmes raros, de países de cinematografia pouco conhecida, filmes que talvez você só terá a chance de ver numa tela de cinema nessa Mostra de São Paulo. É o caso, só como exemplo, do belo filme norte-americano Tormento (Tarnation, de Jonathan Caouette) aclamado mundialmente como um dos melhores filmes de 2004, que eu tive a sorte de assistir na Mostra daquele ano, arriscando a sessão apenas pela vaga promessa da assinatura de Gus Van Sant (Elefante) entre os produtores do filme. Tarnation foi um dos filmes inesquecíveis que eu vi e nunca mais ouvi falar. Nem em DVD existe promessa de seu lançamento aqui no Brasil.

Também tive a oportunidade de assistir, em 2004, na telona do cinema o desenho animado japonês Steamboy, de Katsuhiro Ôtomo, lançado no Brasil somente em DVD. E o que dizer de títulos como O Revólver Amado, de Kensaku Watanabe, violento filme baseado em mangá? Twist, de Jacob Tierney, uma versão moderna do clássico Oliver Twist (vimos a versão de Polanski esse ano), ambientada no submundo de garotos de programa do Canadá? Sneakers, de Femke Wolting, um documentário sobre a história do design de tênis? Ou descobrir grandes filmes latino-americanos como Whisky, Família Rodante e A Menina Santa? Só na Mostra, só na Mostra...